El periplo de un músico en su carrera profesional es paralelo al vital. Es más, no vivimos lo suficiente para aprehender con hondura la comprensión total del arte sonoro. En la aproximación que nos cabe en una vida, no obstante, deberíamos alcanzar la lucidez para no caer en la procrastinación que supone la demora y ralentización en los procesos de aprendizaje en el sur de Europa y, muy especialmente, en nuestro país. 

Los sucesivos planes educativos solo han venido a mejorar los anteriores en la argumentación legislativa pero, de facto, no se ha aportado ninguna mejora sustancial en la aplicación de la norma en la enseñanza musical. La pedagogía ha destacado como marco referencial en el ámbito teórico pero alejándose cada vez más de la praxis artística donde, en realidad, sucede la música.

El número de especialistas en pedagogía sin bagaje escénico cuyas coordenadas no pueden situarse fuera del aula, ha aumentado. Un virtuoso no ha de ser per se un buen maestro pero, además de que lo contrario tampoco es garantía, al menos, un intérprete (concertista, director, profesor en coro, banda u orquesta) o compositor, se ha tenido que enfrentarse a una exigencia extrema a la hora de comunicarse expresivamente a través de su instrumento.

La oferta de músicos titulados es desde hace demasiado tiempo muy superior a la demanda en el mapa laboral real sin que se hayan gestionado a tal efecto estrategias adaptadas a las nuevas realidades, itinerarios útiles que conecten con el mercado musical o formación específica para la autogestión y emancipación como individuos y como colectivo.

Ni siquiera es atinado el mapa de conservatorios que, en algunos territorios, puede albergar una docena de centros en escasos kilómetros cuadrados con el consiguiente despropósito en las ratios tanto de alumnado como de profesorado. Si de nutrir los conservatorios sin criterio se ha edificado la gestión educativa musical los resultados negativos no tardarán en ser evidentes, si no lo son ya.

Dichos centros, donde no pocos profesores tienen un número de alumnos escaso, necesitan que la matriculación aumente de manera inminente para su supervivencia y, como se sabe, los criterios de admisión pueden llegar a flexibilizarse tanto como aumenta dicha necesidad. No obstante, estas prácticas solo contribuyen a una pauperización del futuro de la música profesional. No solo la formación está afectada sino que se garantiza un futuro con un profesorado, digamos, poco atractivo y competitivo.

Los sucesivos planes educativos solo han venido a mejorar los anteriores en la argumentación legislativa pero, de facto, no se ha aportado ninguna mejora sustancial en la aplicación de la norma en la enseñanza musical.

El alumnado que participa en la ceremonia de las pruebas de acceso se enfrenta a su primera oposición en la vida. No es un tema menor y, de entrada, deberían darse las condiciones para garantizar una igualdad real en los procesos tanto en términos académicos como humanísticos. Una preparación que no solo se reduzca a lo puramente musical sino que se atienda áreas como la preparación mental, gestión del estrés y otras herramientas que doten al alumno de posibilidades para gestionar la tensión propia de dicha prueba y que sienten las bases para su equilibrio en un eventual futuro profesional.

Tal postulado está muy lejos de ser siquiera considerado y, mientras tanto -al menos- se debería reparar en garantizar un itinerario veraz y alineado con la calidad.  Un alumno tipo accede a la prueba de acceso de enseñanzas profesionales después de un viaje a través de la estimulación precoz, jardines musicales varios, cursos preparatorios, enseñanzas elementales hasta llegar al profesor particular que repare el tiempo perdido de un viaje que puede durar no menos de diez años. Un viaje, en definitiva, a ninguna parte.

Esta singladura, es lo más preocupante, no siempre garantiza conocimientos y destrezas suficientes tanto en el ámbito académico como en el aludido de fortalecimiento emocional. Eso, claro está, sin contar con arraigado y aceptado nepotismo en las pruebas. Una vez admitidos y dando por hecho que el proceso haya sido justo y transparente, el cuello de embudo comienza a estrecharse.

Compatibilizar estudios generales con específicos ya es de por sí una odisea dado que, aunque la legislación así lo dispone, no son todos los centros, tanto los de enseñanzas obligatorias como los conservatorios, los que están dispuestos a la armonización de la gestión mediante la aplicación del decreto que regula la integración de las enseñanzas. La consecuencia es que el porcentaje de alumnos que acaban en enseñanzas profesionales respecto al de los que lo inician con un nivel óptimo es pírrico. Hasta aquí, nada nuevo pero ¿y si cambiásemos el modelo?

¿Por qué no aplicar la legislación en todas sus pautas? ¿Por qué seguir aplicando una normativa de manera arbitraria camuflándola de creativa? ¿Qué parte de la enseñanza que cierta generación adquirió es desechable a pesar de que les ha dotado de una prestancia, resolución y profesionalidad contrastada? ¿A qué lugares nos llevará la vida artística basada en principios pedagógicos todavía experimentales? ¿Debemos esperar sin más a ver si funciona? ¿Acaso no se ve ya que no lo hará?

La educación obligatoria prevé seis años en primaria, cuatro más en secundaria más dos  (opcionales) de bachillerato. Si la música se implantase con criterio en estos tres tramos, ¿qué nivel musical se alcanzaría centralizando la enseñanza en el tronco generalista? y ¿es descabellado pensar en un reparto por tramos para preparar al alumno en su camino profesional antes de su acceso a la universidad donde, de una vez por todas, esté la música en igualdad de mérito que otras disciplinas?

Compatibilizar estudios generales con específicos ya es de por sí una odisea dado que, aunque la legislación así lo dispone, no son todos los centros, tanto los de enseñanzas obligatorias como los conservatorios, los que están dispuestos a la armonización de la gestión mediante la aplicación del decreto que regula la integración de las enseñanzas.

Si en primaria se implantara el lenguaje musical (solfeo) de un modo serio, no cabe duda de que cualquier alumno podría dominar esta disciplina en seis años. Nunca en ningún plan de estudios el solfeo habría tenido una cuota tan alta.

En el primer ciclo de secundaria las asignaturas teóricas tendrían su lugar, con especial énfasis en el Contrapunto, esencial para cualquier músico en tanto que sus connotaciones del dominio de los intervalos, cifrado, fundamentos de la armonía, entonación y mecánica del discurso sonoro, entre otros ítems, son la piedra angular del acercamiento serio a la música, independientemente de la especialidad instrumental desde la que se acceda. En esto punto conviene detenerse, puesto que no tiene sentido histórico y musicológico que los estudios de escritura y creación musical se secuencia sin comenzar con el contrapunto

En el segundo ciclo seguiría con la repercusión de las asignaturas teóricas con la aparición de la Armonía.. El Coro, asignatura absolutamente imprescindible y que marca la diferencia sensitiva de los músicos, estaría en los seis años de primaria y en los cuatro años de secundaria.

Bachillerato albergaría a los alumnos que tienen claro su futuro profesional en el arte sonoro con asignaturas como Fuga, Composición, y Dirección coral e instrumental. Y, por supuesto, en todos los tramos cabría una formación transversal de elementos útiles en el nuevo mundo, asignaturas que ahonden en conceptos de gestión emocional, marketing, economía, fundamentos de técnicas de negocio, retórica, y argumentación, diseño aplicado, idiomas y todo aquello que dote al profesional de herramientas imprescindibles para defender sus intereses como músico.

No solo marcaríamos itinerarios responsables para los futuros músicos sino que, igualmente importante, estaremos creando una sociedad con criterio artístico. Estamos formando y fomentado una parte esencial dentro de la cultura: un público con más elementos de juicio y capaces de discernir la cultura del ocio.

Este modelo no es ni mucho menos original ni novedoso, se lleva implantando en países anglosajones adaptado a sus correspondiente legislaciones y, de algún modo, son precisamente los lugares a los que miramos con admiración y que son referentes culturales.

Además, la formación humanística tanto en aspectos racionales como emocionales debiera ser transversal para todo el alumnado, de modo todas las capacidades lingüísticas o lógico-matemáticas tengan el mismo rango de valor  que las específicamente musicales, independientemente de la empleabilidad que propicien y en pos de una sociedad madura en todas las áreas del conocimiento y con una sustancial aportación a su educación sentimental a través de la belleza basada en el conocimiento profundo del arte sonoro.

La especialidad instrumental, sin ninguna duda, quedaría en el ámbito particular y privado hasta llegar a la especialización mediante masterclasses y mentorías con especialistas y concertistas ya en el ámbito universitario.

La pregunta consecuente es ¿y qué pasa con los conservatorios? Puestos a soñar con nuestra capacidad de buscar modos saludables y obviando nuestro miedo cultural a todo lo que sea distinto a lo que venimos haciendo pensando que siempre es bueno, no sería baladí convertir los conservatorios en progresatorios y dotarlos de entidad para reconvertirse, precisamente, en estos centros de la nueva formación musical.

La fusión supondría el cierre de no pocos conservatorios que como rémoras se arrastran en una supervivencia ajena a la misión de educar con garantías pero, sobe todo, conllevaría activar resortes de proactividad y revisar las conductas, acciones todas ellas muy lejos de la pereza institucional tanto desde la gestión administrativa como desde el lugar de sus actores (equipos directivos y profesorado). Pero si de emancipar nuestro valor como músicos y formadores se trata todo esfuerzo valdría la pena para aparcar la queja y sustituirla por acción productiva. 

Algunos conservatorios en el ámbito privado, donde la pereza institucional no actúa, ya lo han hecho, como demuestra es la proliferación de los centros privados de formación musical que, curiosamente, ninguno de ellos contiene la denominación de conservatorio. Centros como Musikene, Esmuc, Esmar, Música Creativa, Escuela Superior, Reina Sofía, Centro Superior Katarina Gurska…por citar los ejemplos más destacados, han surgido no tanto por una necesidad imperiosa sino por la falta de adaptación a la realidad por parte de los centros públicos. 

La especialidad instrumental, sin ninguna duda, quedaría en el ámbito particular y privado hasta llegar a la especialización mediante masterclasses y mentorías con especialistas y concertistas ya en el ámbito universitario.

No habría crítica si este evidente cambio de paradigma educativo fuese considerado como una evolución o transición natural hacia un futuro que reclama nuevos modos de gestión, pero siendo que el declive ha sido por un mala gestión e inversión del dinero público debemos ser enérgicos en condenar toda malversación del presente educativo que afecte al futuro. 

Los centros privados han invertido el vector en la gestión del talento. Mientras durante décadas los músicos españoles viajaban a Europa donde las cosas importantes sucedían, ahora -además- importamos músicos de todos los rincones del mundo. Eso sí, estos alumnos no están matriculados en los centros públicos. Hay que pensar en ello y, por supuesto, exigir los mismos valores, voluntades y resultados que se han demandado a los centro públicos durante décadas. No podemos seguir apuntando nuestras quejas hacia arriba. Debemos empezar por el propio gremio y redirigir las responsabilidades.

Los conservatorio están obsoletos pero como ocurre en las sinfonías, el desarrollo puede devenir en sorpresa y finales gloriosos. Eso sí, solo en las buenas sinfonías.

Juan F. Ballesteros
músico y escritor

No sembla que sigui útil seguir entossudits en què ens salvin. Potser, també el món de la cultura deu realitzar, majors esforços a la producció que a la queixa.

Els canvis de fase institucional són sempre estimulants. A València, esperats com a aigua de maig per regar l’extraordinari germen local però plantat en terreny erm. Però la realitat és que va haver-hi més expectativa que realitat, més intrusisme que professionalització, més banalització, al cap i a la fi, que cultura.

Diran que la cultura si no és per a tots no és cultura i és exactament el que defenso encara que ho formuli d’una altra manera: si no ens fa millors a tots, no és cultura.

Desde el asociacionismo se ha elevado la queja recurrentemente por una situación que impide a la actividad cultural, especialmente la musical y muy particularmente la coral, sostenerse con normalidad dentro de las normas que la ley prevé para su uso seguro.  Son numerosos los ayuntamientos (política de proximidad) los que han optado por ahorrarse esfuerzos, dinero y empatía hacia un colectivo malherido poniendo como excusa a su desinterés la crisis sanitaria. También es justo poner de manifiesto que otros consistorios han cumplido la ley permitiendo bajo normativa la realización de conciertos y, por tanto, situándose del lado de quienes están en el escenario. 

El asociacionismo, no obstante, olvida que las heridas del mundo coral no son nuevas y han cicatrizado hasta hacerse indoloras, recordando que el problema no se resolverá sin que atendamos a la historia del sector. 

¿Por qué persistir en la queja ante las instituciones cuando históricamente no ha tenido ningún efecto más allá que socavar nuestro ánimo? ¿Existe documento o prueba alguna de que algún partido político de nuestro país haya siquiera mencionado de soslayo alguna frase que aluda al arte sonoro o al hecho coral? ¿De verdad hay quien todavía alberga esperanzas en que el modelo cambie si seguimos realizando las mismas infructuosas acciones? La queja es lícita. Las acciones para crecer, obligadas.

Cuando se habla de 2400 cantores cada 100.000 habitantes no se está siendo riguroso en lo que se refiere a un verdadero censo coral. Seguramente sean muchos más, pero lo que es absolutamente innegable es que el bello, sano y estimulante acto de cantar no sitúa per se a sus actores en el ámbito de la creación musical mínimamente valorable. 

El asociacionismo olvida que las heridas del mundo coral no son nuevas y han cicatrizado hasta hacerse indoloras, recordando que el problema no se resolverá sin que atendamos a la historia del sector. 

El asociacionismo coral de nuestro país haría bien si cesase de erigirse como altavoz victimista por un lado y diferenciar de una vez por todas el muy loable y necesario canto social del canto coral (ya sea profesional o amateur). Difícilmente saldremos de la zozobra argumentativa si no somos honestos con nosotros mismos. Los directores y no los directivos -mucho menos los cantores- son quienes deben dibujar el mapa coral debidamente delimitado y no contemplar como tesis que la música es el factor común de todas y cada una de las realidades corales.

El respeto a toda acción social a través de la música es preceptivo y loable pero no puede incluirse como actividad artística cualquier conato de movimiento sonoro.  Dado que el primer contacto que el público tiene con la música coral en directo es la de su entorno más cercano, agrupaciones locales, coros litúrgicos y grupos vocales municipales debiera imperar un criterio organizativo propenso a crear estándares de calidad de mínimos. Aun con la bendición que supone elegir esta actividad para el solaz personal y su repercusión social mencionada, la falta objetiva de un plan coral corporativo conlleva el riesgo disuasorio de presentar nuestro sector como escaso. Por ello, la apreciación que, generalmente, se tiene del mundo coral es precaria, arcaica y alejada de la belleza intrínseca de la música cantada. 

¿De verdad hay quien todavía alberga esperanzas en que el modelo cambie si seguimos realizando las mismas infructuosas acciones?

En el comunicado que con buena intención ha hecho la Asociación Española de Directores de Coro (AEDCORO) de la que soy socio, habla en una jerga comprensible para todos -aunque dudo que el mundo no coral le preste demasiada atención- a través de la máxima de  “el que canta su mal espanta”… más allá de la locuacidad y lo chusco del comentario es muy apropiado traerlo a colación por su valor y significado, puesto que lo que en realidad se está consiguiendo con nuestro mapa coral es, precisamente, “espantar” al público.

Nuestro target objetivo no son los políticos a los que sistemáticamente nos encomendamos ora para pedirles subvenciones ora para pedirles explicaciones de nuestras desdichas en una relación endogámica a la par que contradictoria, entre otras cosas, porque no son los más productivos a la hora de acudir a nuestros conciertos. Olvidamos muy frecuente y dramáticamente que es el público donde está nuestro verdadero foco. Ese grupo humano de proximidad es el que verdaderamente merece nuestra atención y cuidados. Por ello, la mejor estrategia es ofrecer calidad, no la calidad que cada grupo sea capaz de ofrecer, sino tejer unos mínimos para conservar o, mejor, recuperar al público perdido.

Los directores y no los directivos, mucho menos los cantores, son quienes deben dibujar el mapa coral debidamente delimitado y no contemplar como tesis que la música es el factor común de todas y cada una de las realidades corales.

Ante la pasividad del mundo coral más allá de manifiestos puntuales y cónclaves habituales, el público sería un buen aliado si su contacto con el coro fuese siempre estimulante y catártico. Mientras se siga alimentando un sector con las mieles de la mediocridad solo tenderemos a empeorar.

Se habla de un censo de más de 100.000 directores de coro. La cifra también espanta porque con un filtro sutil pondría en evidencia a gran parte de los que se proclaman directores. En cualquier caso, el dato es demostrativo de la notable falta de corporativismo y de músculo reivindicativo del sector. En España, estudiar dirección por canales oficiales es tanto como decir nada. Los cursos que nacen precisamente in absentia de la institución pública ya son repetitivos (en profesorado, forma y fondo) y tampoco han solucionado el problema de la realidad coral española toda vez que el tejido es en un porcentaje altísimo amateur y la formación se está basando en el supuesto de disponer de un coro profesional.

Así, se obvian factores tan importantes como la didáctica de ensayo, técnicas de liderazgo, construcción sonora, canto coral aplicado al coro, adecuación del repertorio, procesos de afinación, dirección instrumental (para no parecer perdidos -o lerdos-  cuando hay que acompañarnos con una orquesta), formación empresarial, marketing, management, … que doten de competencias sólidas habilitando al director para su labor tanto al frente de un profesional como amateur. 

Ante la pasividad del mundo coral más allá de manifiestos puntuales y cónclaves reiterativos, el público sería un buen aliado si su contacto con el coro fuese siempre estimulante y catártico.

¡Ah, sí! ¡La pandemia! La pandemia, con todo el dramatismo social que supone, no ha hecho más que sacar a flote las debilidades del mundo coral en España. ¿Quién será el próximo culpable de nuestras miserias cuando se acaben las opciones? Si no cambiamos el paradigma, seremos nosotros.

Juan F. Ballesteros
Director de Coro