Con el término Entartete Musik (música degenerada) que a su vez deriva del Enterttete Kunst (arte degenerado) se denominó a la música que debía ser proscrita por sus condiciones bolcheviques y judías en el Reich nazi. Músicos de la talla de  Weill, Schoenberg, Webern o Krenek se sumaron a la lista artistas como Chagall, Mondrian, Klee o Kokoschka. Muchos de ellos huyeron de Europa para instalarse en EEUU donde, algunos, cosecharon grandes éxitos. Otros, acabaron por sucumbir a la decadencia espiritual a la que se vieron sometidos. 

El gobierno nacional-socialista  alemán, tal y como ocurrió en otras dictaduras como la de nuestro país,  tuvo a bien prohibir cualquier connotación de elevación espiritual que conllevase una catarsis intelectual a través del arte y mantener así un arte vacío o dirigido, acabando así con toda posibilidad de creatividad y libertad.

Siendo que la libertad no puede comprimirse demasiado tiempo sin que la presión la arroje a la acción, el arte tiende siempre a su expansión por encima de cualquier connotación social, ya sea este la virtud expositiva como desde la clandestinidad. El arte contiene muchos ejemplos de la actividad marginal ora por un sistema político y social perverso ora por un veto corporativo. 

La música es una rama del arte muy propensa a la degradación conceptual debido a los lobbies que actúan en favor de unos pocos y -conscientes o no- en detrimento de la propia música. Habitualmente, sus próceres esgrimen una retórica humanística, fraternal y no exenta de bonhomía mientras que ejercen el veto a los que -acaso- son sospechosos de hacerle sombra. 

Lamentablemente, ocurre en todos los ámbitos de de la música, esto es, tanto el parnaso de la profesionalidad como en el entusiasta mundo amateur. En este ámbito, más extendido en el mapa musical, es donde la música tiene su espacio más natural, en tanto que está muy próximo al público. Sin embargo, se pierde una excepcional oportunidad de tener tan a mano al público si se presenta la música de una forma banal y poco comprometida con los valores estéticos y artísticos del arte sonoro.

El arte contiene muchos ejemplos de la actividad marginal ora por un sistema político y social perverso ora por un veto corporativo.

El único filtro útil debiera ser el público como ente aséptico, ajeno a conspiraciones gremiales y voluntariamente presentes. El público, incluso, tiene un valor intrínseco para la valoración artística muy superior a la que los críticos se atribuyen, ya que -en el mejor de los casos- no dejan de ser artistas que no alcanzaron y que encuentran justicia en la degradación ajena.

No obstante, para alcanzar un criterio suficiente del hecho artístico es preciso el elemento de la formación que capacite al oyente a la hora de emitir un juicio certero. Para ello, la comparación es un elemento esencial. 

Si el público es educado en un circulo pequeño de elementos artísticos su criterio será cuanto menos escaso y condicionado. Su experiencia estética será limitada. Sin embargo, un público avalado por el bagaje curtido en la contemplación expansiva será extremadamente valioso para la evolución discursiva de la cultura.

El mundo amateur es absolutamente necesario para vertebrar la vida musical en la base de la sociedad. Los coros, bandas y orquestas de esta liga son el primer contacto, en muchos casos único, con la literatura musical de primer orden. Por ello, precisamente, la responsabilidad de sus gestores es capital para que la calidad no se diluya en la criba de la mediocridad. En el mejor, que no más extendido, de los casos, los directores/pedagogos de estas agrupaciones son profesionales y, por lo tanto, conscientes de la importancia en la transmisión de los conocimientos. 

Pero queda un resquicio tentador hacia el repertorio inalcanzable y aquí entra un factor que como profesionales debemos poner en primer orden de valor: el respeto a la obra musical. La elección del repertorio es el punto más delicado en el proceso de creación y desarrollo de un grupo y la sabiduría reside en comprender que un grupo amateur no puede interpretar cualquier obra pero, por el contrario, no es consciente de la cantidad de literatura musical que es capaz de ejecutar con garantías de éxito. 

No obstante, para alcanzar un criterio suficiente del hecho artístico es preciso el elemento de la formación que capacite al oyente a la hora de emitir un juicio certero. Para ello, la comparación es un elemento esencial.

Alcanzar todas las notas de la partitura no debe ser un objetivo sino una premisa antes de situarse en la casilla de salida. Los ítems de belleza que intervienen en el discurso sonoro tales como lectura, transfiguración, afinación, entonación fina, interpretación histórica, gestión de las tensiones, dinámicas, agógica y ascensión emocional deben estar como verdadera meta a la hora de elegir un repertorio. 

Caer en la tentación de interpretar obras fuera del alcance solo es demostrativo de un escaso respeto a la música. Un grupo amateur no podrá interpretar la Messe in H-moll (misa en si menor) de Bach o Messa di Requiem de Verdi, por citar casos reales, sin devastar el verdadero corpus de la obra, pasando -acaso- de manera tangencial por los procesos de fraseo y construcción del sonido que elabore una esencia eidética en el público, sin pervertir -acaso- el significado de la música más allá de la partitura. No debiera importar la cota alcanzada sino la conquista de la cima.

Los críticos -en el mejor de los casos- no dejan de ser artistas que no alcanzaron y que encuentran justicia en la degradación ajena.

¿Serían palabras demasiado gruesas si hablásemos de delito artístico? ¿Estamos ante una nueva Entartete Musik avalada por sectores internos a la propia música? Seguramente, podríamos establecer un paralelismo con el arte figurativo si convenimos en que dañar un cuadro de Goya en el Museo del Prado nos acarrearía no pocos inconvenientes de diferente índole gravosa, siendo el peor de los casos una visita a la prisión, tal y como establece el código penal. 

Pero nos extrañará, por el mal uso que hacemos de la música, aplicar el mismo criterio para quien perpetre el horror de pervertir una obra magna como las referidas anteriormente. Podrá esgrimirse que la obra subsiste ya que puede ser de nuevo interpretada. Además de falaz, el argumento sería injusto puesto que para el público del grupo amateur es muy posible que represente su único acercamiento en directo de esta magnífica obra. Y, lo que es peor, su conocimiento de la misma se limitará a la interpretación fallida. 

La música es importante. Podemos rasgarnos las vestiduras ante la falta de internes por parte de nuestros legisladores. Pero es mucho peor el atropello que desde el propio gremio podemos llegar a cometer, tanto desde el veto al éxito ajeno como al delito artístico de cercenar el valor a las grandes obras de la literatura musical convirtiéndola en degenerada. Formación para tener criterio, criterio para tener opinión, opinión para ser libres.

Juan F. Ballesteros
músico y escritor

Una de las cuestiones más urgentes que los músicos deben resolver es la de su cotización. Hablar de dinero se ha convertido en una suerte de llamada a la bicha, un tema del que hay que escapar en cuanto surge en una conversación.  

Esta actitud resulta cuanto menos absurda dado que los salarios de los músicos que se dedican a la docencia u ostentan una plaza en algún coro, orquesta o banda municipales son públicos y en el resto de casos vox populi en cuanto a la escasa y precaria retribución en algunos centros educativos o agencias de representación.

En este ámbito resulta espeluznantemente esclarecedora la situación contractual y de régimen sindical. No pocas escuelas de música han estado durante décadas (alguna queda) bajo el convenio de peluquería o minería, en una vergonzosa maniobra de rentabilidad económica. El resultado en términos de excelencia ha sido muy lamentable. Además, ha contribuido a generar una herencia de hábitos traspasados de profesores a alumnos con la absoluta connivencia entre explotador y explotado ora por necesidad ora por necedad.

El músico es quien determina el valor de su trabajo por lo que, en definitiva, se acepta o se lucha. El silencio cómplice frente a este atropello resta dignidad tanto al músico que la ejerce como a la totalidad del colectivo que se ve afectado en su valoración social.

Frente a esta situación no pocos músicos han abrazado la nueva mentalidad y han abandonado la senda de la mediocridad. Conviene reconocer la diferencia entre mediocridad y amateurismo. Éste es siempre útil y socialmente de alto valor porque se ejerce en el corazón, mientras aquella es la praxis degenerada por parte del músico profesional. ¿Cuál sería el precio adecuado?

Si existe un precio justo tendría que estar entre los dos polos básicos del comercio:

1. un producto o servicio tiene un valor transaccional igual al que un comprador está dispuesto a pagar
2. el precio del trabajo para producir un producto o servicio es tan bajo como un trabajador esté dispuesto a aceptar

Para ilustrarlo recurrimos a un par de ejemplos: un pianista, director de orquesta o cantante de primerísima línea pueden percibir por un concierto 500.000€ (de media), ¡lo mismo que un Dj en plena temporada de Ibiza, Saint Tropez o Miami! Del otro lado, ¿cuántos músicos con tanto talento como los primeros aun con menor repercusión mediática aceptan trabajar por paupérrimas o nulas cantidades con el cansino argumento de la promoción?

El músico es quien determina el valor de su trabajo por lo que, en definitiva, se acepta o se lucha. El silencio cómplice frente a este atropello resta dignidad tanto al músico que la ejerce como a la totalidad del colectivo que se ve afectado en su valoración social.

En el centro, donde se halla siempre el equilibrio, están quienes no aceptan según qué salarios, los que saben decir no, los que no quieren jugar en una liga inferior, lo que no serán, por tanto, considerados músicos de segunda, los que piden (con entrega) y se les da (con amor), los que saben quiénes son y los que saben quiénes no…

En contra de la creencia generalizada, no somos héroes. Los músicos carecemos del poder de la saciedad, visión nocturna, bilocación, hiperacusia o insensibilidad térmica. La carencia de estas facultades las suplimos alimentándonos, iluminando nuestras casas, trasladándonos de un lugar a otro mediante artefactos móviles, utilizando la telefonía y abrigándonos. 

Todo ello, como el resto de los mortales, lo conseguimos con nuestro aporte económico al sistema. De igual modo que un abogado, albañil, panadero, mecánico fresador o médico, los músicos obtenemos beneficio económico a través de nuestra actividad profesional, entendiendo el término como garantizador de calidad. Es frecuente observar la sorpresa que en algunas personas resuena cuando los músicos tratamos de ofrecer nuestro  trabajo a cambio salario económico y que no nos baste con el salario emocional. Aunque, lamentablemente, no es exclusivo de nuestros tiempos sino rescoldo de un pasado escasamente superado. 

En las cortes y capillas de la Europa más culta previa a la Ilustración, un músico como Mozart o Haydn tenían el mismo estatus laboral que el cocinero, cochero o mozo de cuadras, es decir, un servil garantizador de ocio.

Huelga decir que el hecho de que nuestra profesión tenga una base vocacional (acaso tanto como otras), que hayamos ofrecido nuestros servicios de manera altruista como pago a nuestra formación y experimentación, no obsta para no ser capaces de superar el estadío formativo y exigir lo que cualquier otro profesional recibe sin que por ello nadie pestañee nerviosamente. ¿Es un abogado, albañil, panadero, mecánico fresador o médico un mercenario por recibir honorarios por su trabajo? Los músicos tampoco.

Es frecuente observar la sorpresa que en algunas personas resuena cuando los músicos tratamos de ofrecer nuestro  trabajo a cambio salario económico y que no nos baste con el salario emocional.

El valor corresponde al músico y, por tanto, encontrará su precio ofreciéndose como valor, convencido con su ser, ofreciendo con el máximo amor (sin que por ello sea siempre comprendido entre los suyos) y recibiendo su pago como corresponde.

Héroe no es quien vence a los demás, quien sobresale a costa de otros, no es quien se erige como único garante del merecimiento. Héroe es el que se vence a sí mismo y no depende del consejo de los que han sido domesticados.

Juan F. Ballesteros
músico y escritor

Hubo un tiempo en el que se produjo la revolución de las mentalidades. A penas alumbrado el siglo XIX tras la herencia iluminista del la revolución de 1789, la humanidad experimentó la entrada a un paradigma donde el Hombre/Mujer ocuparía un destacado lugar en la historia social y natural de nuestro mundo.

El siglo anterior contempló con estupor las diversas guerras que dibujarían los nuevos mapas con tinta de sangre, las colonias se ahogaban ante un imperialismo cuya semilla contenía en partes iguales la sustancia del auge y de la decadencia. Otras guerras se fraguaban en el interior de conocimiento humano en tanto que se producía el triunfo de la razón sobre el siempre inútil sentimiento del miedo abrazado por la fe.

La nueva mentalidad que se iba cosiendo con el hilo de la cultura, particularmente con el de la música, tuvo un protagonismo esencial en el devenir del mundo que habitamos aunque, quizás, todavía no hemos sido capaces de valorarlo en su justa medida.

En pleno siglo XXI el sector cultural se encuentra de nuevo en una encrucijada, en parte porque no se han resuelto las necesidades básicas, no se ha fortalecido como comunidad o no se ha tenido un suficiente sentimiento identitario, acumulando las debilidades para sumarlas a las coyunturales, esto es, sanitarias y políticas.

El mundo de la cultura no ha hecho los deberes lo cual, quede claro, no le hace merecedor de tan catastrófica gestión política y hostigamiento social. Dicho lo cual, convendría establecer cuáles han sido, son y, por tanto, deben ser las estrategias de supervivencia como gremio.

La nueva mentalidad que se iba cosiendo con el hilo de la cultura, particularmente con el de la música, tuvo un protagonismo esencial en el devenir del mundo que habitamos aunque, quizás, todavía no hemos sido capaces de valorarlo en su justa medida.

Uno de los errores más extendidos e instalados es el de relacionar todo el tiempo vida cultural y vida política. Equivocadamente, los artistas piensan que somos subsidiarios de una práctica política y ello nos ha condenado a una espiral de caída libre difícilmente remontable a través de una insana dependencia.

Mientras que no optemos por ser nuestros propios ministros de cultura, nuestros propios gestores de nuestro trabajo poco o nada va a cambiar. En todo caso, eso seguro, va a empeorar. 

¿Por qué seguimos insistiendo en un modelo que ha demostrado no funcionar? ¿Es descabellado optar por alternativas que, al menos, no sabemos todavía si funcionan? ¿Valdría la pena explorarlas? ¿Es mejor mantener el status quo? ¿Nos quedamos con lo malo conocido o aspiramos a lo bueno por conocer?

Las protestas por la alerta roja nadie puede discutirlas como necesarias. Pero ¿son suficientes? ¿Acaso alguien de verdad cree que algo va a cambiar porque nos arrojemos a las calles, tiñamos de rojo nuestros perfiles en las redes sociales o mantengamos encendida una llama de protesta intermitente? Porque, no nos engañemos, el problema no es coyuntural es transversal y viejo y, por tanto, recurrente.

Si tenemos el talento, el conocimiento, las herramientas, la audiencia…¿por qué no somos eficaces? La queja nos paraliza. No nos deja ver alternativas. Castra nuestra capacidad natural de crear y recrear.  Contamos con el mayor de los patrimonios del sector: el público, que acude a las representaciones culturales por nosotros los artistas, or nadie más y, mucho menos, por los responsables políticos. Vienen porque tenemos algo que ofrecerles. Solo nosotros. 

¿Por qué seguimos insistiendo en un modelo que ha demostrado no funcionar? ¿Es descabellado optar por alternativas que, al menos, no sabemos que no funcionan? ¿Valdría la pena explorarlas? ¿Es mejor mantener el status quo? ¿Nos quedamos con lo malo conocido o aspiramos a lo bueno por conocer?

Creemos un verdadero espirito corporativo. Unamos nuestras fuerzas. Compartamos en lugar de competir. Usemos nuestros propios recursos para trazar la ruta de nuestro futuro artístico. Llegado a este punto, sería injusto no reconocer que no todas instituciones se comportan de una manera tan despreocupada hacia la cultura. Son numerosos los ayuntamientos que se han puesto del lado de los artistas a pesar de todas las dificultades normativas.

Los artistas de primera fila o -mejor- los más mediáticos, son menos propensos a notar la mella de la hecatombe que contemplamos, toda vez que lograron altos honorarios (tendencia a la que deberíamos abonarnos) y, por tanto, han llegado a la pandemia fortalecidos.

Del otro lado, los músicos de las ligas medias son los que más han acusado la situación. Todavía queda un grupo, los advenedizos que se han colado reclamando los mismos derechos aun cuando nunca han creado nada, los aprovechados del sistema que han encontrado una ventana por la que asomarse y ofrecerse sin contenido alguno.

En todo este magma sociológico se ha creado un corpus que exige la subvención o sea, la pasividad. La queja por bandera no produce nada. Y la subvención -cuando llega y a los que les llega- se acaba. ¿Qué quedaría después? de nuevo la nada y la súplica. En tanto que no nos emancipemos y consideremos nuestro arte como nuestra más eficaz arma de seducción masiva, no saldremos de un insano lugar donde nada sucede. 

La revolución comienza cuando cesa la queja. Una revolución que no es otra cosa que dejarnos la piel en cada propuesta, ser lo mejor que podamos ser presentando un proyecto, superarnos en cada uno de los momentos del proceso de creación, producción e interpretación, dejar las medias tintas, mostrarnos indolentes ante el esfuerzo, gratificar al que nos supera mediante nuestra admiración, no permitir al advenedizo, oportunista y mediocre ni un ápice de espacio , que las instituciones no puedan resistirse a nuestra opción artística y que en la montaña de propuestas la nuestra ocupe la cúspide, abrir espacios de intervención y colaboración con otros artistas, poner nuestros recursos al servicio de los demás, pedir sin miedo colaboraciones, crear espacios de encuentro entre artistas para ser capaces de gestionar nuestras propias actuaciones y todo cuanto hasta ahora no hemos hecho por miedo a la libertad y reforzarnos en nuestros propósitos estéticos, filosóficos y lúdicos de nuestra profesión.

La revolución ha comenzado por si alguien todavía no se ha dado cuenta.

Juan F. Ballesteros

músico y escritor

La catarata de conciertos pospuestos, aplazados o directamente cancelados en muchos municipios contrasta muy notablemente con la de los que conforme a ley se siguen realizando sin problema alguno en otros territorios de nuestro país, además de en el resto de Europa.

¿Cuál es el motivo por el cual una institución pública decide no hacer un concierto, sugerir el aplazamiento o impelir al músico a que tome la decisión última (que siempre será la de no hacerlo ante la carencia de argumentos jurídico-sanitarios) si la norma lo permite? ¿Por qué dependemos del compromiso y voluntad del titular de cultura aun cuando la ley nos avala?

Cuesta a comprender porqué dejan de hacerse conciertos cuando las medidas sanitarias vigentes lo permiten. Si hay distancia social, aforo limitado, medidas higiénicas previstas y protocolos activados ¿cuál es la razón última?

Festivales de gran trascendencia mediática y cultural como el Festival de Salzburgo en Austria han arrojado la cifra de cero contagios. Antonio Moral, director del Festival Internacional de Música de Granada, ha publicado un resumen donde en 32 días de festival, con 76 espectáculos y una asistencia de 21.043 espectadores, no hubo ni un solo contagio.

Cuando ha habido voluntad y esfuerzo se han realizado con total garantías de salud tanto para los artistas como para técnicos y público espectáculos culturales sin ningún tipo de problema.

Algunos artistas, la autocrítica como gremio debe prevalecer, exigen pagos, subvenciones y otras dádivas pasando de la anarquía al sentido de estado aprovechándose de la coyuntura cuando su histórico es no haber creado nada. Pero otros, han estado al pie del cañón, creando, preparando, ensayando, componiendo, proyectando, … sin un salario que sustente y con el hálito encendido para que cuando todo pase nos hallemos fortalecidos.

Cuesta a comprender porqué dejan de hacerse conciertos cuando las medidas sanitarias vigentes lo permiten. Si hay distancia social, aforo limitado, medidas higiénicas previstas y protocolos activados ¿cuál es la razón última?

El último argumento al que se acogen las instituciones es el de la rentabilidad. Bien es cierto que la inversión que hace un ayuntamiento contratando cultura es para que pueda ser disfrutado e interiorizado por la mayor parte de la sociedad dado el carácter efímero del evento cuando hablamos, lo cual es absolutamente compatible con los criterios de los artistas.

Esta rentabilidad está puesta en cuestión por el aforo permitido (permitido, o sea, legal) que hace que la actividad programada llegue a un número menor de ciudadanos. Y este argumento también lo compartimos, en tanto que nos aflige ver una sala medio vacía (¿o estaría medio llena?) a pesar de que en épocas de esplendor sanitario hemos contemplado salas medio vacías (o medio llenas) como algo habitual.

Siendo así, porqué en algunos municipios se cancelan conciertos cada semana mientras, ya no solo en Europa, en el resto del país se celebran aunque sea bajo el yugo de una normativa mucho menos laxa que en otras disciplinas (sobre todo, deportivas).

No solo se está privando a un sector dañado de sacar la cabeza sino al público a disfrutar de la cultura. ¿Acaso cuarenta personas de un limitado aforo no tienen derecho? Y, por una vez, ¿no pueden priorizar la necesidad de los músicos?

La cultura no solo es rentable en términos económicos (3,4% del PIB) sino en términos humanísticos, sociales y de mejora de la ciudadanía. Quizás esto último es lo que de verdad les inquieta.

Por todo ello, quedándonos con lo positivo, gracias a todas las instituciones públicas y privadas que han comprendido que la Cultura es Salud.

Juan F. Ballesteros
músico y escritor

Si, como dicen los místicos, la imaginación teje la realidad habría que revisar aquello que pensamos ya que, dado lo visto, podríamos ser más eficaces.

La realidad constatable no difiere mucho de lo postulado anteriormente. Los soñadores crean oportunidades, argumentos, inercias, movimiento… Más pronto que tarde logran resultados. Sencillamente, ponen en marcha toda la maquinaria vital para ir del kilómetro 0 al cenit de los resultados. El plan B solo sirve para desviarnos del plan A.

Los que han sido domesticados son incapaces de salir del círculo vicioso de lo predecible. Algunos lo laman zona de confort que, dicho sea de paso, tampoco está mal cierta comodidad. Pero renunciar a nuevos escenarios o experiencias estimulantes por la pura incomodidad o miedo (que viene a ser lo mismo) retrata al mediocre que, sin embargo, se permite tirar de la cuerda al que asciende hacia sus sueños. Los que crean y los que destruyen nunca son los mismos. Los segundos, incapaces de crear solo les queda la segunda opción.

Soñar es gratis. Dormir, caro.

Juan F. Ballesteros
músico y escritor